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電影化敘事

電影中傳播思想的方式有許多種，對白只是其中之一。這本書中提供了100種非對白的技巧，是電影敘事的小百科全書。這本“小百科全書”中包含了一些電影史上令人難忘的片例。雖然受篇幅所限，只列舉了100種技巧，但我希望這些片例具有足夠的代表性，能夠幫助編劇和導演更好地理解電影媒體(film medium)的敘事(storytelling)潛力。

電影化敘事：是什么？

對于電影史上的頭二十年來說，電影化敘事是講故事的方法。由于同步的聲音還沒有發明，像《火車大劫案》(Great Train Robbery)、《大都會》(Metropolis)、《戰艦波將金號》(The Battleship Potemkin)等影片只能用非對白的技巧來表現人物(character)和情節(plot)。在需要解說的時候，就用字幕卡(titles card)，但這是的選擇，不得已而為之。

攝影機機位(camera placement)、布光(lighting)、構圖(composition)、運動(motion)還有剪輯(editing)被作為主要的敘事手段。電影化的工具，如攝影機，不是僅僅記錄場面(scene)，更要推進情節和人物往前發展。沒有對白可以使用。

1926年聲音出現之后，對白和畫外解說(voice-narration)很快就出現在電影里。這些從小說和戲劇里借用的手段是文學性的，漂浮于電影的最頂層。許多純化論者對于聲音的到來感到悲觀，而另一些人則從中看到了聲音的促進作用。不論哪種情況，電影編劇和導演都可選擇敘事系統(storytelling system)。

文學敘事和電影化敘事

盡管使用了文學敘事(literary storytelling)手段，電影的革新仍然在繼續。像《公民凱恩》(Citizen Kane)、《日落大道》(Sunset Boulevard)、《交叉火網》(Crossfire)、《精神病患者》(Psycho)、《鋼琴課》(The Piano)、《撫養亞利桑那》(Raising Arizona)之類的影片，成了電影革新的教科書。

盡管電影化的手段比較垂青于特定的類型片(genre)，如動作片(action)、恐怖片(horror)、黑色電影(noir)、心理片(psychological drama)、懸疑片(suspense)，但即使是像伍迪 艾倫(Woody Allen)這樣文學性極強的導演，也常常會抓住機會在第二幕或曼哈頓的某個地方使用電影化手段。

很少有教科書涉及電影化劇本寫作，這一點令人驚訝，因為大多數類型片是依靠電影化敘事手段來承載故事的。盡管電影化敘事可以是外露的，但大部分情況下并非如此。電影化敘事操縱我們的情緒，在不知不覺當中揭示人物和情節。這正是它能如此有效和動人的原因。想一想電影《外星人》(ET)的前十分鐘，場面設計是電影化的，一句臺詞也沒有，但是一個8歲大的孩子能夠告訴你誰是壞蛋、為什么是壞蛋。由于電影化敘事通常作用于你的潛意識，所以很難捕捉、很少外露。但這并不會削減對電影編劇(screenwriter)和導演(director)熟練運用電影化手段的需求，反而強調了電影化手段的重要性。

電影化敘事是紀錄性和戲劇化之間、發揮電影敘事手段的潛力或任其自然之間的區別。希望本書能為編劇和導演們拓展敘事連續體(storytelling continuum)，幫助他們更充分地挖掘電影媒體的內在手段。

導

電影化敘事：電影編劇

問 題

劇本(script)是電影故事(cinematic story)的藍圖—后者通過聲音和畫面來講述。

對于一個的劇本來說，有兩方面的要求：一是要有個很好的故事；二是要電影化地(cinematically)加工這個故事。對于及時個方面，有很多的專業書籍會告訴你該如何去做。這些書一般都涵蓋了情節、結構(structure)和人物。這幾個方面是任何故事片的基本點。實際上，大部分這類書籍都能夠同樣地適用于小說或戲劇，因而更地說是在戲劇層面上下工夫，而不是編劇。不管怎樣，這些書滿足了及時個需求—一個很重要的需求。第二個需求是電影化地加工故事。沒有這一步，編劇可能有一個很好的故事，但能否成就一部的電影，就很難說了。

電影與小說或短篇故事不一樣。電影引入了編劇想要利用的技巧性元素。電影編劇在這方面的能力差異使其與別的編劇區別開來。很多電影編劇新手拋開了電影媒體的創新機會，消極地使用對白和解說。當電影編劇們放棄了電影化的技巧，就等于把他們電影中的很多東西丟在了馬路邊。一個成功的劇本應該成為電影的藍圖，要向讀者傳達他將在銀幕上看到或聽到的東西。

在電影早期，電影理論家諸如列夫 庫里肖夫(Lev Kuleshov)、謝爾蓋 愛森斯坦(Sergei Eisenstein)、弗謝沃洛德 普多夫金等就已經開始研究這種新媒體的敘事潛力。他們認識到電影提供了兩種其他媒體都不具備的東西：拍攝的畫面和動作。實際上這給編劇帶來了成千上萬種新的可能。

剪輯演化出了交叉剪輯(crosscutting)，從而發展出一系列常用的戲劇場面，包括追逐戲。攝影機可以到外面去。外景鏡頭(exterior shot)和內景鏡頭(interior shot)可以并置。世界各地的畫面被帶到觀眾面前，并以新鮮的視點如特寫來呈現。每個光學鏡頭(lens)都可給畫面形成具體的視覺品質，我們可以借此來強化故事。攝影機運動，在一系列手段如搖臂(crane，升降機，吊車)及后來的斯坦尼康(Steadicam)的協助下，帶來了一個充滿可能性的嶄新天地。

對編劇來說這意味著什么？

普多夫金很早便認識到電影劇本作者(scenarist)的工作應該是寫出充分利用電影這一媒體的故事。在1926年，他建議編劇要掌握電影各方面的技巧，如剪輯之類，以便寫出更適合銀幕的故事。

電影化敘事》力圖延續早期電影理論家在電影化敘事上的努力。本書中包括了100個電影工業界頂級編劇和導演所使用的非對白技巧。從《大都會》到《殺死比爾》(Kill Bill)，本書通過超過500幅電影抓圖和76個劇本摘錄，闡述了如何利用電影媒體來優化故事。希望這些實例可以說明電影化寫作能夠給劇本帶來的價值。

劇本摘錄

本書中的劇本摘錄是特為電影編劇而收。劇本摘錄說明了編劇大師如何在不需要中斷劇本閱讀或向導演解釋的情況下，把電影化敘事體現在他們的劇本中。基于這個原因，本書中包括了編劇和導演兼編劇所寫的劇本。其中，編劇包括艾倫 鮑爾(Alan Ball)、邁克爾 布萊克(Michael Blake)以及羅伯特 湯(Robert Towne)等，導演兼編劇包括昆汀 塔倫蒂諾(Quentin Tarantino)、簡 坎皮恩(Jane Campion)和科恩兄弟(Coen Brothers)等。

愿電影編劇們能將電影化敘事運用得更加純熟流暢。

電影化敘事：導演

問 題

在教授電影制作的過程中，故事和電影常常是分開講授的。編劇們在一棟建筑里，制作專業的則在另外一棟建筑里。不經意中，在本應連接的地方形成了分離。技巧性的手段與它們的終端—故事—分離開來。

電影始于故事并終結于故事。這就是電影被購買、劇組(crew)人員被雇用的原因，而不是別的什么原因。很多高預算的電影使用了令人眼花繚亂的效果，以期成為偉大的作品，但卻事與愿違。這是因為他們忘記了故事，故事被放在次于技巧魔力和風格的位置上。

這對導演來說意味著什么？

一個熟練的藝匠知道如何設計一個鏡頭，但導演知道為什么要這樣設計。導演所必需的知識的一部分是理解電影的技術屬性，然后創造性地使用技術來為故事服務。如果沒有內容和技術的連接，你只看到兩個分離的部分，所導致的結果往往是成為一次技術演練。

電影化敘事》分析了弗里茨 朗(Fritz Lang)、奧遜 威爾斯(Orson Welles)、阿爾弗雷德 希區柯克、弗朗西斯 科波拉(Francis Coppola)、史蒂文 斯皮爾伯格(Steven Spielberg)、簡 坎皮恩、蒂姆 伯頓(Tim Burton)、科恩兄弟、呂克 貝松(Luc Besson)、詹姆斯 卡梅隆(James Cameron)、沃卓斯基兄弟(Wachowski Brothers)等人的作品。在每個例子中，都分析了特定的技巧對于故事的貢獻。對于這些導演以及許多其他的電影制作人來說，一個鏡頭除非能夠推進情節或人物發展，不然就不會在考慮范圍之內。沒有隨意的鏡頭。

電影導演工作的及時部分是了解觀眾什么時候應該有什么樣的感覺，第二部分是利用手段來加以實現。

電影化敘事》力圖連接兩個學科：電影制作(film production)和電影編劇。我希望電影人能夠地結合形式與功能，本書以圖文結合的方式閘釋了某些頂級導演如何做到這一點，從而創造了那些電影史上最令人難忘的時刻。