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篇1

很多著名的音樂家，不僅在音樂上有非凡的成就，在繪畫上也有著較高的天賦。天才的音樂家勛伯格就是一個天才的畫家，他1907年才開始涉獵繪畫領域，三年之后，就在慕尼黑、柏林和維也納舉辦了“勛伯格畫展”，維也納的博物館已經收進了七十余件他的畫作。他獨樹一幟的“音色旋律”創作方法，和繪畫領域的“點彩派”繪畫心契神會。康定斯基對他的繪畫才華也贊嘆不己，并寫出文章對他的作品做了分析。德國歌唱家狄斯考很早就開始接觸繪畫，他說“音樂的意向可以隱喻地用線條和色彩來再現，有時我真的想表現我所歌唱的事物”，并與于1980年在德國的班貝格，1983年在日本成功的舉辦了個人畫展；法國作曲家古諾髙強的繪畫才藝曾讓他在選擇自己發展道路時左右為難。他獲得羅馬大獎后被派到羅馬去進一步學習音樂的時候，每周都要到西斯廷教堂去做禮拜，他一面玲聽彌撒曲，一面觀賞米開朗琪羅的壁畫，并能把它們臨蓽得惟妙惟肖，音樂院院長為此憂心忡忡，他善意地提醒古諾：“天啊!你以為我們給你獎學金是要你來學繪畫的嗎?”；圣桑的心智包羅萬象，音樂上的早慧讓他享有"莫扎特第二”的美名，而在音樂之外，他精通幾國語言，對美術、數學、天文學、考古學、哲學、動物學、植物學等都有濃厚的興趣，皇室曾根據他的請求為他撥數購買了一臺天文望遠鏡用于觀察星空，他寫過不少的科學論文或研宄文章。在美術方面，他著文《論古羅馬劇院的裝潢裝飾》，討論龐貝城的壁畫。17歲就寫了著名的《仲夏夜之夢序曲》的門德爾松在他周游世界的時候，總忘不了隨身攜帶的畫本，他不僅用音符刻畫了優美的名勝風光，也用畫筆勾勒所見所想。瓦格納雖然和門德爾松友誼不佳，但在聽過門德爾松的《赫布里底島序曲》之后，也忍不住由衷的稱贊他是“第一流的風景畫家”；除此而外，被譽為“鋼琴詩人”的肖邦在繪畫上所表現出的才能也不容小覷 音樂家與美術家們所結成的深情厚誼，也使得他們在彼此的交流、欣賞中互為影響并推動著音樂與視覺藝術創作的共同發展。如在古典音樂的創始人斯特拉文斯基的藝術生涯中，許多美術家和詩人都是斯特拉文斯基的好友，交往密切，其中對他影響較大的則是畫家畢加索。畢加索曾為他的而芭蕾舞劇《炫技》、《普爾欣奈拉》設計了舞臺的布景、道具、服裝和海報，畢加索由于經常改變風格而在美術界成為最著名的人物，而音樂界的斯特拉文斯基與畢加索恰像是一對孿生兄弟，也并不愿意重復自己的風格，不滿足于剛剛創立的輝煌，當人們剛剛熟悉了他的某一風格、或者剛學會對他的某一音樂特征加以模仿時，卻又困窘地發現這種風格的創始人己經又開拓了一個新的領域。正如《春之祭》引起的騷亂余波還未平息，斯特拉文斯基又己經開始了他新古典主義風格的探索了。正是對美的共同追求使他們心意相通走到了一起。

三、美術流派影響下的音樂

音樂中一些流派的形成無疑也受到過視覺藝術流派的影響。如以法國作曲家德彪西為代表的印象主義音樂就是在印象主義畫派和象征主義詩歌影響下形成的。印象主義藝術首先是在視覺藝術方面興起的，19世紀末，以馬奈、莫奈、和雷諾阿為代表一些年輕藝術家們，他們希望打破學院派的嚴謹和保守，反對單一的在宗教和神話故事中汲取題材，主張走到大自然中去，把注意力放在自然光色的變化效果上，盡量避開寫實體裁，以光和色彩為視角，去捕捉一個個瞬間飛逝的印象，用精細的筆觸，模糊的構圖，借助光、色的變幻來表現渲染閃爍的氣氛與色彩、倏忽朦朧的自我感覺和印象。1874年，這幫年輕人在法國舉辦了一次叛經離道的畫展，莫奈風景畫《日出.印象》的出現，在當時更是受到眾多的非議和攻擊，從而這些年輕的藝術家們被貶為“印象主義者”》正是由于這些年輕藝術家們的“離經叛道”的思想，深深的影響了力求在音樂上突破傳統的德彪西、拉威爾等作曲家。開創了一種注重和聲的倏忽變幻，音響色彩的細膩斑斕，模糊的曲式輪廓，細致入微的聽覺感受，突出精致、纖巧的風格，從此確立了印象主義音樂流派，對后來的音樂創作產生了巨大的影響。20世紀音樂的主要流派一表現主義最初也是受到視覺藝術思潮的影響，1911年，畫家康定斯基、馬爾克、瑪克等人在德國創辦了《青騎士》雜志，刮起了一股表現主義運動的風潮，發表了多篇有關視覺藝術的表現主義言論。以勛伯格和他的兩個學生貝爾格、威伯恩為代表人物的表現主義音樂，無疑是受了視覺藝術中表現主義畫風的影響。他們在藝術上的觀點也是相同的，都認為表現主義應該表現的是人們內心，而不是對外界的印象的形象描繪，強調的不是客觀物體的外貌，而是人們內心和靈魂深處的感覺和情緒。表現主義音樂與18世紀的理性、均衡與和諧，與19世紀浪漫主義的注重自我世界，關注和聽眾通過音樂進行情感上的交匯的音樂描述完全不同。對此勛伯格就曾說過：“藝術家為之奮斗的最偉大的目標只有一個，那就是表現他自己……我們的心靈才是客觀世界的真實反映……”。如同常用變形和扭曲手法描寫真實的表現主義畫家一樣，他們用怪誕、奇異的音響去表現壓在自己內心深處的那種絕望、壓抑、恐懼。在當時的社會環境中，他們目睹到種種黑暗、腐敗現象，感到強烈不滿，卻又無力改變，從而陷入迷茫、無助的境地。所以驚悚、死亡等等是表現主義常常關注的題材，充滿了精神上的荒誕。伯恩斯坦曾在評論勛伯格的代表作品《月迷彼埃羅》說：“這些歌永遠使我感動，但也使我有點惡心。連唱帶講，還加上。在這些歌曲的有些地方，我真想跑去打開窗子，呼吸一下健康而清潔的空氣。但這也就是它的成功之處。”另一位評論家卻說：“如果這是音樂，求求上帝，別讓我下次再聽它了。”下面的兩幅作品中，僵硬平直線條、變形的構圖、大片涂抹的色塊，似一聲聲尖利的喊叫刺透我們的耳膜，充滿了絕望、驚恐，形象的表明了這兩種藝術形式內在聯系。和音樂家愛畫、作畫相映成趣的，另一邊就是畫家愛樂、作曲了。在美術史上，出現過許多用繪畫表現音樂的大師和杰作，如：美國早期畫家華爾特狄斯納，他曾根據貝多芬的《田園交響曲》創作了三幅畫作；被譽為19世紀最優秀的俄羅斯風景畫家列維坦所創作的名畫《墓地上空》表現的也是是貝多芬的名作《英雄交響曲》中的“葬禮進行曲”。據他的一位女學生回憶說：“當列維坦創作這副作品時，堅持要我為他彈奏貝多芬的曲子”，可見，正是貝多芬的音樂喚起了畫家的創作靈感。美國繪畫史上第一位純抽象派大畫家斯圖爾特?戴維斯(1894—1964)的創作是與他對爵士樂的熱愛分不開的，他認為，畫家可以從現代爵士樂中發現一種新的繪畫觀念，他就是利用夸張變形的色塊、色調、線條、等繪畫語匯，運用抽象化主觀化的寫意傳神手段進行著一幅幅只可以眼觀的“樂曲”創作。當觀眾們走過他1932年為紐約一座新落成的音樂廳所繪制的大型壁畫前都不禁感嘆這是一幅‘‘可以用眼睛來欣賞的變化莫測妙不可言的音樂作品”。另一位出生于美國近代著名繪畫大師惠斯勒(1834-1903),—生都試圖把繪畫藝術與音樂藝術巧妙地結合為一體，并在這方面做了有益的努力，有著突出的成就，可以說是歷史上最負盛名的“音樂畫家”。他采用音樂術語為他的畫命名，如把《白衣少女》稱之為《白色交響曲》、《母親的肖像》稱之為《灰色與黑色的交響曲》、《茫茫之夜》則稱之為《夜曲》。另外他還用和聲、變奏曲、旋律、音調、幻想曲等音樂名詞來命名他的畫作。這樣的畫家還有很多，如馬蒂斯從小酷愛小提琴，他常一天練六個小時的琴，因此在他的繪畫出現了很多關于音樂的主題《鋼琴課》、《音樂》、《內景和小提琴》、《爵士樂》等作品也就不足為奇了。俄羅斯抒情抽象繪畫的大師康定斯基在繪畫中表現出的獨創性更是值得一提的，從小表現出很高的音樂天賦，鋼琴彈的特別好，作品《送葬隊伍》，基本上是從瓦格納的《眾神的黃昏》得到暗示的，還有《相互的和音》、《賦格》、《帶伴奏的中心》、《有規律的飛翔》等等與音樂有關的作品，都無不體現出康定斯基在用繪畫表達音樂、抒發自己的情感方面，有其獨到之處。

篇2

電腦藝術設計在中國大學中的藝術系或學院作為必修課程僅僅20年的時間，由于普及時間相對西方發達國家較短，這門學科的專業教學法和課程設置標準仍處于空白階段。位于中國中部地區的河南省是經濟發展相對滯后的農業大省，以科技為導向的電腦藝術設計教育在其高校的發展也就相對滯后。這種滯后的第一個表現就是教學目標不清晰。多數課程在為期四到五周，每周16個小時左右的時間段中，把教會學生技能作為課程目標。一般來講，教師會把介紹“像素”概念作為學習設計軟件的開頭，例如Photoshop,CorelDraw,Illustrator。接下來，一系列設計工具的功能被逐個展示及講解，學生按照教師的講解做沒有任何藝術理論支撐的練習。“這種授課的方式被中國大多數高校運用，是由于幾乎所有電腦藝術設計教科書籍只強調電腦相關技能和手法而忽略了藝術或設計理論”[2]。因此，教學方法經常被當作課程目標。雖然一些教師會在授課過程中講述藝術理論及歷史，但仍然不可避免地從掌握電腦設計技術為出發點講解設計工具。這樣做的結果是，為了具體展示說明他們的觀點，教師有時不得不拼湊從網絡上找來的圖片，最終借助設計工具完成特殊效果制作。課程結束經常以一張到兩張二維設計項目為評判標準，例如海報設計，標志設計或者書籍裝幀設計。非常遺憾的是，在大多數案例當中，由于對技術以及特殊電腦效果的過度聚焦，學生所完成的設計作品經常出現過度使用電腦特效的情況，而沒有反映他們的個人藝術表達，這樣制作的藝術作品僅停留在應用電腦技術的表層，失去了設計作品的藝術本質。

（二）課程設置相對落后

數字藝術在當今社會已顯現出越來越重要的地位。在河南省，已經有超過40所高等院校開設了視覺藝術專業。雖然本科學生擴招不斷增長，學校由于擴招帶來的收益也不斷加大，但視覺藝術的課程設置十年來卻未有大幅變化。根據抽樣調查，河南省高校視覺設計本科專業課程設置可分為五個階段：公共基礎課、專業基礎課、專業核心課程、實踐課程以及選修課。具體來講，公共基礎課也可以稱作通識教育課，主要教授政治、思想、計算機等課程，安排在大學一年級和二年級課時當中。專業基礎課主要集中在大學一年級和二年級上半學期，教授中外藝術及歷史理論，訓練基礎繪畫及造型技能。專業核心課程包含電腦藝術設計及相關設計課程，例如海報設計、標志設計、字體設計等，學生從大二下學期到大四上學期進行學習。實習課程主要由外出實地考察以及畢業設計組成。據調查，視覺藝術專業的通識教育課程平均占到畢業總學分的約30%，專業基礎課與專業核心課程共占到總學分的約50%，剩余學分由實踐和選修課程組成。這就表明，電腦藝術設計課程設置時間的短缺會極大影響學生掌握電腦設計技能及方法的能力，至于將個人藝術表達融入其中的較深層面更無從談起。此外，今天的電腦藝術設計并不僅局限于二維或三維圖形圖像設計，動態平面設計早已成為圖形設計的另一種趨勢。這意味著表現視覺藝術的媒介在不斷更新，敘述手法在不斷完善。同時，這種現象提示了傳統電腦藝術設計課程所強調的知識點已不能夠滿足市場需求。“如今的動態平面設計更強調圖形與觀眾動作產生互動效果，而非傳統平面設計只處理圖像視覺信息，多媒體的綜合技術運用使動態圖形不僅有形態，更有聲音與動態”[3]。正因為動態平面設計具有較強的交叉性、綜合性，傳統封閉的獨立課程單元需要被打破，取而代之的是將相關課程進行有邏輯的交叉銜接。

（三）先進教學設備的短缺

“中國政府財政收入與教育投入的比率失調具有相當長的歷史。”[4]這種教育資源配置的短缺首先體現在對公立學校的財政撥款方面，教學設備的定期更新是許多高校面臨的問題。盡管教學目標、教學方法以及課程設置是達到預期教學效果的核心，但是先進的教學設備也是教育的基本要求，同時也是有效使三者結合并實現教學效果的護航使者。尤其在視覺藝術專業領域里，電腦的硬件及軟件更新對于其課程的有效展開有著至關重要的作用。目前，河南許多高校的藝術學院仍存在著此類問題，低級別配置的電腦無法滿足不斷更新的設計軟件的速度要求。此外，一些藝術學院無法保證電腦總數匹配學生總數，這就造成了教師有時候不得不要求學生上課帶自己電腦的尷尬局面。在如此情況下，教師很難保證良好的教學環境，學生也可能會逐漸失去學習的興趣。

二、改革電腦設計課程的方法建議

改革電腦藝術設計課程的前提條件是明確新的課程設置目標。課程理論之父拉爾夫•泰勒曾經提出一條經典的課程目標設置基準：“既制出要使學生養成的那種行為，又言明這種行為能在其中運用的生活領域或內容。”[5]相關課程設置應該遵循兩個原則：第一是培養學生能夠把所學知識運用到生活中的能力；第二是學生在運用知識的領域中能有光明的前景。除此之外，課程設置應具備可持續性的特質，意味著各門課程直接的邏輯交叉關系應給予足夠的重視，學生才能從中積累知識并且循序漸進地培養自己的能力。根據以上理論基礎，本文提出五點整合電腦藝術設計課程的辦法。

（一）專業基礎課程

高校視覺藝術專業仍舊需要專業基礎課程來強調藝術及設計理論與歷史的重要性，并給學生創造一個了解藝術及設計背景的途徑。這些課程可以同時以傳統及現代藝術理論為重心，并用多媒體為主要教學手段。通過學習不同的藝術理論，學生可以把所學知識作為怎樣把美學概念融入數字藝術的手段，并充分理解電腦藝術設計在他們作品中的重要地位[6]。這樣，便有助于解決學生在創作過程中遇到的不會將藝術理論與設計藝術手法相結合的難題。

（二）專業核心課程

理論概念和不同的多媒體技術的課程應該在大學一年級開始。但在河南省，此類課程經常到大學二年級第一學期才開設。在此狀況下，學生可能并不能熟練掌握電腦技術。如果多媒體相關課程可以較早開設，學生就可能更熟練掌握此項技能并更容易把自己的藝術觀點融入到其設計作品中去，而不會由于技能的生疏限制了他們創作靈感的發揮。同時，“電腦藝術設計課程需要緊跟當今科技與數字藝術的趨勢”[7]。現今的美學觀念和動態平面設計課程應該納入視覺藝術課程體系以及實踐類課程，例如讓學生接觸現實實踐設計項目，是培養他們適應未來工作的有效方案。

（三）與設計產業聯系的工作室制度

工作室制度的教學模式，可以從視覺藝術專業的第三年級開始建立并持續到畢業年。與傳統教學課堂相比，這種模式更能夠積極地鼓勵學生參與到數字媒體相關產業中去。工作室模式教學和以“項目設計”為中心的教學在西方國家已經運作得較為成熟，它具備很強的開放性與互動性，強調讓學生參與到設計課題當中而絕非完成單獨不相關的作業。高校可以經常請設計企業代表或專家來到課堂與學生分享設計趨勢，或舉辦一些與電腦藝術設計行業相關的研討會，并提供真實的設計項目。教師在設計過程中作為“促進者”，能幫助學生不斷反思設計問題，并在沒有固定方式和局限條件下共同研究設計方案。這樣，使學生提前了解社會市場需求，以便培養相關能力，為其畢業找工作做好準備。

（四）畢業設計項目

鼓勵臨近畢業的視覺藝術專業學生在相關企業中進行實習并尋求工作崗位。學生的畢業設計項目是開放的，允許他們根據喜好挑選感興趣的命題或者根據未來工作需求擬定相關題目。在設計過程中，教師應以學生為中心，輔助指導他們完成畢業設計。

三、課程設置改革之相關問題

除了需要對電腦藝術設計相關課程設置進行重新整合外，也不能忽視教育資金的短缺與中國傳統教育制度的遺留問題所造成的影響。作為全國最大的農業省，政府資金的投放與分配，不能夠完全滿足教育發展的需求。依賴先進并昂貴的硬件及軟件設備支持的電腦藝術設計課程改革將會因為資金的欠缺受到影響。此外，高校視覺藝術專業中的公共基礎課程比例應該削減，要增加電腦藝術設計課程的整體比重。思想教育及通識教育課程的過度填充可能會對此專業教學效果產生消極的影響。相比之下，與電腦藝術設計相關的選修課程可以適當增加，因為此類課程可以拓寬學生對藝術設計的理解能并培養其設計技能。但以思想教育為核心的此類課程設置所占比例也會影響未來課程設置的改革。

篇3

第一：場景設計方面既要遵循劇情的發展和導演的要求，又要體現合理的藝術性特點。敘事功能，隱喻功能，展現時空關聯，刻畫角色性格、心理，制造情緒氛圍，突出矛盾沖突是藝術場景必須要體現的，同時它的設計也必須是合理的。所以場景設計之前首先要對劇本進行深入的理解，熟知劇本中的背景情況；其次要明確劇本中的環境特征；最后要確定作品的表現風格。畫面的設計，是否運用夸張等手法等都要切實依據劇本的需要，可適當的運用手法使畫面生動來抓住觀眾的眼球。深入理解劇本內容，熟知其歷史情況，對角色性格特征包括造型特點都要重點剖析，并使場景造型風格與人物風格達到高水平的和諧。動畫片《大力士》中再現了古希臘的文化環境，描述了原始森林景觀。其中描繪的花園設計場景就融合了古希臘的造型元素，例如滴水帷幕的多形式的設計，形式感多樣。

第二：動畫場景的藝術風格之所以獨具魅力是造型形式準確和造型手段獨特而形成的。使影片整體形式風格、藝術性的追求得以體現的重要因素是造型形式，尤其是場景的造型形式。動畫背景主要通過美術創作方法完成，其中包括繪畫、噴繪、鏤雕、剪形等。因此主題基調要著眼于整體，在深入分析劇本搜集查看資料之后確定，造型形式要選擇切實符合時代和地域特點的。相比之下日本的影視動畫片受漫畫影響最深刻，同時其收視率和普及率也是極高的。60年代的《鐵臂阿童木》，80年代的《櫻桃丸子》《蠟筆小新》和《機器貓》等，這些作品視覺藝術方面的效果在設計場景和創建角色方面都有顯著的體現，其在造型和色彩處理方式的漫畫式手法的運用，使日本動畫片有了與眾不同的風格。

第三：影視動畫場景藝術風格的多樣來源于造型語言和造型形式的多樣。漫畫風格的場景：如《聰明一休》《蠟筆小新》色彩簡單，以平面效果為主，采用刻畫邊緣輪廓線的方式。實風格的場景：一是一切模擬自然以自然物象為基準，包括造型、比例、色彩，二是光影效果的明暗對比要經過強烈且夸張的處理；三是色彩要表現的真實，細膩。營造濃厚的藝術氛圍，增強視覺的沖擊力，可以通過將豐富的形態真實、自然的刻畫和運用夸張的灰色調來使場景畫面具有更強的層次來實現，這樣也可以使得故事的內容和其中的角色性格特征更突出。三維風格的場景：三維技術像“催化劑”一樣推動著動畫發展，動畫的造型構思方式由平面轉移到空間立體離不開它，它能將空間體積感和縱感很好的展示出來，創造出較為自然、真實的場景效果場，使得視覺效果具有神奇的感覺。所以不考慮時空約束的情況下，其視聽覺語言創造出的時空境界具有超現實的效果。形態、光影和色彩作為造型語言在動畫場景中最為常用。場景中建筑、樹木等想要表現的簡單、整潔可以使用體塊和線條來塑造，如《破壞》，在1992年獲得奧斯卡最佳動畫短篇獎，作品中繪畫性鋼筆素描的場景效果就是使用了非常簡練的線條實現的，藝術意味則是由簡單、樸素的造型和粗獷的筆調使之表現的更突出。

場景也可以營造的復雜一些，如宮崎駿《天空之城》就極大的運用了視覺語言，將“天空之城”的立體幻覺通過神秘奇幻的星空、云霧和火光交織的畫面完美的展現出來，極力渲染影視背景，使得視覺空間感染力極強且神秘，是極好的視覺享受。同時大的場景建立好秩序形式，將空間透視關系處理好是放在第一位的，然后對視覺組織原則做到深入理解且合理運用，促使畫面體現的內容既豐富且有序，同時又是靈活而不死板的。

作者：楊磊 靳明 單位：河北工藝美術職業學院

篇4

可以看到，視覺藝術中有許多設計靈感都來自于傳統民族文化，經過現代手段的藝術再加工，形成了符合時代潮流的設計作品。還有像最具中國特色的傳統水墨，經過長期的發展已經形成了自己獨特的藝術風格，有著獨特的東方魅力。地域、思維、生活方式決定了這一時期的設計風格，本土文化對其設計產生了相當意義上的影響，所以設計師門要立足于本土文化來創作藝術作品，那樣創作出的作品才能體現出本土文化的底蘊，通過這些可以使廣大群眾產生心靈上的共鳴，更可以傳達積極向上的精神文化。隨著人類文明的發展進步，國際的交流日益普遍，傳統文化與現代文化的傳承與演繹形成了各民族間的風格與差異。設計師們在挖掘本民族傳統文化的同時，不斷學習現代的設計手法，通過兩者之間的相互融合，呈現出具有各民族特色的藝術作品，推動著整個設計藝術的發展，將視覺藝術的內容變得更加國際化、民族化。傳統文化是整個設計的根基與源頭，更是民族設計的強大動力，只有沿著這個根追尋下去，才能在世界設計舞臺上展示出應有的魅力，將民族文化推向世界，這是一種義務，更是一種傳承民族藝術的責任。

設計是人類文化中重要的財富，也是民族文化進行發揚和傳承的一種重要手段。在美術設計教學中，我們可運用的傳統元素各具特色，匯聚了多民族的文化精髓，將民族文化與現代設計手段相結合，是民族精神與情感的有力載體，也成為了廣大學生認識設計的重要途徑。在長期的歷史發展中，藝術設計受到了各種文化形態的影響，將我國的特色民族文化通過設計的形式展現出來，這不僅是對民族文化的傳承，更是對設計內涵的一種提升。通過對學生民族文化思維的引導，使他們充分了解民族文化，切實提高了大學生對于民族文化的熱情與熱愛，從而更好地發揮出高校美術教學在民族文化傳承中的作用，這對于社會的文明、設計的進步具有重大的指導意義。新形勢下的高等院校美術教育應當積極培養大學生的民族榮譽感、現代審美觀，任何一個民族，如果失去了自己的文化意識，那么就失去其獨立存在的價值。我們現在面臨的是一個信息爆炸的時代，各種媒體、書籍將外來文化帶入我們的視野中，這種思維的沖擊也是空前的，它的影響范圍在日益擴大，并且在廣大的學生作品中已經逐漸體現出來。學生通過網絡了解到來自國外的前沿設計，并且嘗試模仿這些作品的表現形式；然而在模仿的過程當中，學生的思維意識已經被同化了，盲目地跟風，簡單地照搬，將西方的觀念與技法堆在一起，卻沒有進行深層次地挖掘，使得設計作品浮躁，缺乏內涵。隨著社會的開放，當我們在效仿的時候，外國一些設計師已經開始挖掘中國的文化精髓運用到自己國家的作品中去，進行藝術再創造，創造出具有自己國家特色的設計作品。這些現象說明，我們在教學的過程中，不僅要傳授學生設計的技法，更重要的是要教會他們領悟中國傳統文化的精神內涵，將民族文化滲透到設計教學中，引導他們通過現代的技術手法，結合本民族的文化特點，繼承和發揚優秀的文化傳統，使他們設計的作品具有中國特色，并可以走入國際市場。

首先，我們需要引導學生仔細研究中國的傳統文化，深入領會經典文化的精髓，挖掘具有時代特色的藝術素材，對中國的特色設計元素進行整合與歸納，可以通過設置具有民族文化特色的課程，同時輔以專題講座、作品賞析等方式有目的地向同學們介紹民族文化知識；并且在教學的過程中，有意識地在講解案例設計作品的時候，分析解讀一些中國傳統文化的經典設計，使學生更多地了解傳統元素與現代觀念的表達是如何結合起來的，在這個過程中，讓學生對民族文化產生興趣，自發地去了解與學習，提高他們對民族文化的審美意識，用獨特的視角去解讀傳統文化。應當讓學生知道，設計作品要想走向世界，必須要根植于本民族的傳統文化，同時要吸收外來的設計理念，只有這樣，才能創造出優秀的設計作品，形成具有中國特色的設計風格。其次，在教學的過程中，教師要培養學生掌握優秀的設計理念及設計手段，培養他們善于發現、善于總結、善于創造的良好設計習慣，讓傳統藝術成為學生在設計過程中的一個創意點及啟示點，從而擺脫原有的照搬照抄、缺乏獨特性的學習方法。了解和掌握國外先進的理念和技術是藝術設計學生必須具有的一種專業素養，西方的一些設計體系已經相當完善，我們從中可以進行學習和借鑒，結合自己的民族特色進行再次加工與創作，提高學生的藝術修養，獲得綜合性的創造能力，從而引導學生設計出具有個性、民族性、時代性和國際性的設計作品。

總之，民族文化的傳承與設計的發展之間有著密不可分與相輔相成的關系，要使一個民族的設計具有本國特色，就要將現代的思想與民族的文化內涵緊密結合在一起，教師在其中扮演著重要的紐帶角色，并要將傳承、融合、再創造貫穿在整個設計教學過程中來，找到傳統與現代的契合點，打造出屬于本民族的、并同時具有國際性的設計作品，意在培養學生的民族文化意識、民族榮譽感、創新意識，創造出符合時代特色的現代藝術設計作品。在當今時代，文化越來越成為民族凝聚力和設計創造力的重要源泉，越來越成為綜合國力競爭的重要因素，如何通過新的形式探索本土設計的發展，使民族文化走向國際，成為每一個設計者們不容推卸的責任。

作者：張倩 單位：遼寧科技大學

篇5

藝術生產技術走進“圖像時代”，使得藝術家與藝術、藝術家與觀眾、藝術家與機器之間的關系發生轉變，還產生藝術家自我異化現象。生產者與消費者的關系變得模糊，特別是在網絡時代里，每個消費者也都可以簡易地轉變為生產者，“博客、飛客、微博、微群”等的出現，讓每個人都可以是讀者，也可以成為作家，擁有超越國界的讀者。“網絡店鋪、虛擬二手市場”的出現，也讓每個人可以足不出戶而實現便捷的消費，亦可以輕松地成為賣家。這些都節省了資源、經濟成本，還能起到環保效益。在“影像世界”里，人和機器的關系也發生了重大改變。“演員在鏡頭前那種陌生的感覺同一個人在鏡子前對自身形象的疏離感基本上是一樣的。”

此外，影視作品還是剪輯的產物，不帶有敘事的連續性。演員在攝影機前的表演是碎片式、斷裂式的。在這種狀態下，演員也成為了藝術的道具，而“在人被機械的再現中，人的自我異化經歷了一種高級的創造性運用。”且機器和觀眾在藝術家演員的眼里也合二為一了。對此，弗洛姆尖銳地指出:“人創造了種種新的、更好的辦法征服自然，但卻陷入了這種辦法的羅網之中，并最終失卻了賦予這種方法以意義的人自己。人征服了自然，卻成為自己所創造機器的奴隸。”

本雅明認為，由于藝術作品的影響在大眾生活中日益擴大，作品傳遞的思想意義也得到迅速傳播，因而大眾文化有著建構和強化意識形態的作用。圖像化的藝術作品大量走進大眾生活，成為大眾日常生活不可缺少的一部分。藝術與生活之間構成獨特的“互文”特征。這些圖像文化不僅作為藝術作品而存在，更發揮著巨大的社會功能。面對這個“讀經典少、觀經典多”的時代，文本逐漸邊緣化，純文本閱讀相比超文本閱讀越顯弱勢。

一類是圖文讀物的盛行，如雜志、漫畫、畫冊、操作技術演繹書籍等;另一類則是傳播性公開性強的視覺文本，如電子書籍、影視作品、廣告等。相比而言，文字讀物更能引發讀者的聯想、理性思維以及培養專注的個性;而圖文作品則深入淺出，直觀性、跳躍性強，其信息符號的傳遞速度快捷，且極具視覺審美效應，容易產生視覺，為閱讀的樂趣錦上添花。圖像與文字相得益彰，亦產生“互文性”。視覺藝術迅猛發展的時代，許多藝術家也重新定義自己的身份，特別是一些文學家，其寫作是直接為“圖像文本”服務，甚至為特定演員量身定做文藝作品。

后工業時代藝術之悖論演變

后工業時代的藝術呈現著悖論式的發展傾向。一方面它利用了技術復制的強大功能，充分調動資源，擴大大眾的認知范疇，提高精神文明建設;另一方面，這項技術又牽制大眾的認知抉擇。大眾在虛擬的藝術海洋中獲得無盡的精神滿足，電影、廣告等后工業技術的產物為盡享視覺盛宴而有著審美疲倦的現代大眾創作了一個簡單繁華的擬像世界，讓現代人沉浸于這個景觀社會中。“審美”是受眾主動觀摩、親身體驗的一種姿態。

而超文本時代下的影視作品等虛擬藝術，卻將大眾與真實的感知對象拉開距離，這就跨越了審美的原初模式，也減少受眾靜觀思慮的機會，從根本上動搖審美活動的基礎。本雅明據此發表自己的觀點:“藝術作品的機械復制性改變了大眾對藝術的關系。最落后的關系，例如對畢加索，激變成了最進步的關系，例如卓別林。”

他認為，繪畫作為手工藝術的產物，凝聚著作家獨具匠心的創意及獨一無二的時空限定，也因而受到大眾的膜拜，散發神秘的光暈。而影像作品則轉向展示價值，其便捷的可復制性消除了原本畫作的宗教崇拜效應。并且，繪畫的欣賞是個體性、私人化的行為，是與藝術品親密接觸、仔細觀摩、斟酌思慮品味的過程;而電影更多展現的是群體性、傳播化的行為，觀眾并不能細品每個畫面細節，無法過于深入觀賞。大眾對于影視的“審美”已經變得浮躁、淺顯，碎片化的模式更帶娛樂價值。一系列視覺符號編碼的變更輸入，帶來的卻是意義的消解，大眾對其意義的認知也僅停留在模糊的能指層面。而在超文本的視覺消費時代里，人們各類真實的審美經驗遭受摧毀。也因而產生更嚴重的社會道德遺患，就如大眾在看到視頻里報道的戰爭、天災、人禍時，表現的不再是震驚、同情或深省，而呈現出習慣、平淡與冷漠。這種精神狀態下的體驗，也僅限于短暫的心靈震撼，但大眾已忘卻了更為重要的人格震撼。

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再次，數字化視覺藝術設計通過對現實形象的模仿和加工，塑造成虛擬的形象，從而為人們提供一種虛擬造型、真實視覺的審美形式。通過互聯網技術，視覺藝術給人一種自然與虛擬的真實感受，從而產生一種朦朧的感官愉悅。

最后，視覺藝術設計形成的動畫之美。動畫設計是經過眾多的畫面通過網絡技術處理組合而成，從而給人們帶去了更多的視覺感受，動畫的形成，更使受眾感受到多媒體融合的魅力，而將藝術融為一體的動畫設計具有形成之美，從審美價值角度來講，這是一種獨特的審美價值。

2數字化視覺藝術設計工程的美學研究

首先，數字化視覺藝術設計工程具有審美觀。新時代條件下，人們的審美觀念、價值取向等都發生了較大的改變。因此，視覺藝術設計也發生了重大改變。近年來，藝術設計師受到經濟利益等眾多因素的影響，導致設計作品不盡如人意，正因為如此，受眾更應該提升自身的審美觀，對審美提出更高的要求，從而促進設計師更好地對作品進行改善，滿足受眾的需求。數字化的視覺藝術設計一定要具備兩個特點：其一是民族性。其二是現代性。只有具備這兩個特性，才能更大程度的保證視覺藝術的審美價值充分發揮。其次，數字化視覺藝術設計工程的發展應結合設計批評，從而促進視覺藝術設計更好發展。第一，受眾對視覺藝術設計進行審美時，應運用哲學的觀點對其設計做出正確評價，從而為設計師的設計提供合理的意見和建議。設計審美是一種感性活動，而設計批評與之相反，是理性活動，但是感性的審美可以沒有理性的批評，可是批評是一定要經過審美階段方能實現。第二，設計批評應具有藝術感知性，對視覺藝術的欣賞和批評既要做出冷靜理智的思考，又要結合強烈的審美情感，從而使受眾獲得更好的審美體驗。

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《悲哀的牧羊人》作于1886年，詩歌用細膩的筆觸追逐了一個悲哀的牧羊人尋求安慰的旅程，有著鮮明的拉斐爾前派的風格。這個牧羊人有著難排解的“悲哀”，他向星星、向海洋、向露珠尋求安慰，但徒勞無果，最后他又回到海邊向一只貝殼傾訴他沉重的故事，希望：我的傳說將會歌唱著我自己，／而我的低語也有安慰的情意，／看呵，我多年的負擔將無影無蹤。／但是貝殼卻把他所有的歌變成了模糊的，／而她在發狂的旋轉中，又將他遺忘。

這首詩與另一首《快樂的牧羊人之歌》共同闡釋了歡樂必須由心靈來掌握的信念。威廉•葉芝用了生動的細節來避免抽象說理的傾向。在向星星追問安慰的情節里，我們看到了“風急浪高的海邊”、“閃爍窸窣的沙灘”、“黯淡的王座”、“暗自竊笑的星星”等細節；在向海洋追問安慰的情節里，我們看到了“波濤向前卷去”、“發出古老的喊聲”、“輝煌的追襲”等細節；在向露珠追問安慰的情節里，我們看到了“遙遠和煦的山谷”、“晶瑩的露珠”、“留神傾聽自己的露珠滴滴答答”等細節；在向貝殼傾訴的情節里，我們看到了“中空的孕育著珍珠的心”、“獨住在海邊的傷心人”等細節。將這些生動細節用畫筆傾灑在畫布上，難道不是一幅拉斐爾前派的畫作嗎？我們完全能夠想象得到在這幅畫作上，繁星點點、海浪拍岸、山谷蔥蘢、露珠剔透，對，還有一只海岸上的貝殼也有著那樣敏感的心啊。此外，詩人還用了“黯淡的”、“蒼白的”、“昏暗的”等詞語表現全詩光線的基調色彩，與拉斐爾前派喜歡用暗光微光的色彩偏好極為相似。這是一首田園牧歌式的小詩，代表著葉芝詩歌寫作最初階段的特點。

詩歌《白鳥》作于1892年。在顏色的選擇上，詩人突出了他一貫喜歡同時也為拉斐爾前派所摯愛的藍色，“藍色的繁星閃爍”。在光線的使用上，詩人如上面的《悲哀的牧羊人》一樣，選擇了“暮色朦朧”這樣的暗光。藍色、星光、暮色無不讓我們感到拉斐爾前派繪畫對葉芝深深的影響，但這首詩在理論和實踐上又向前發展了。威廉•葉芝于19世紀90年代受到莫里斯的影響，詩的風格有所改變。要準確理解這首詩首先要了解它產生的背景。在一個下午葉芝和毛德•崗在皓斯的懸崖下散步，看到兩只海鷗從頭上飛過。崗說在所有的鳥中她愿意做一只海鷗，三天后詩人就將這首由她隨意評論而引發的詩送給了她。這首詩表達了一種逃離現實的極度渴望感。“白鳥”無疑是葉芝與崗的象征。“達南島”是傳說中仙人住的島嶼，象征避開了一切現實紛擾的悠然之地，“在那里時間肯定會忘了我們，悲傷再也不會向我們挨近”。而這塵世的“悲傷”則由飛逝的隕星和夜晚的繁星來象征。吸收莫里斯的理論后，詩的象征性得到重視和發展。在《白鳥》中，時間線條就像畫中人物的安排一樣是一種可視線索。第一節表達了詩人的愿望，厭倦了塵世煩悶，如果我們會是無憂無慮飛翔在大海波濤上的白鳥，那將是怎么樣的幸福啊。第二節進一步強調不要為世事所擾，我們只想變成一對幸福的白鳥的愿望。到第三節，詩人開始想象如果我們變成一對白鳥到那神仙居住的達南島上的情景。這條線索可視而明晰，就像拉斐爾前派在繪畫人物時那逼真的衣角褶皺。詩中的節奏和重復也可以與繪畫中的線條和構圖相比較。比如：“隕星還來不及消失遠遁時，我們厭倦了隕星的光明，／暮色朦朧，藍色的繁星閃爍，低低懸在天垂的一方。”“我迷上了那些難以盡數的島嶼，那些臨海的達南仙境，／那里時間肯定會忘了我們，悲傷再也不會向我們挨近。”

可以看到，《白鳥》充滿了回旋的節奏和呼應的重復，這與繪畫著重強調的線條和構圖有著異曲同工之妙，使得讀者和觀者的視線都牢牢鎖定在作品突出強調的部分，同時又可以細細體會每次回旋和重復的絲絲差異之美。

杰克•巴特勒•葉芝是愛爾蘭20世紀著名的畫家，但與一般畫家不同的是，杰克•葉芝還創作了多部小說和戲劇，與文學有著很深的淵源。他用操持畫筆和刮刀的手寫下優美的文字，用習慣構思與顏色的頭腦映下生活的感悟，他的文學作品蘊含著暗涌的詩情與畫意，與繪畫共同宣泄著內心深處的記憶與哲思。杰克•葉芝有著相當高的文學素養。在其自傳性作品《斯萊戈》中，意識流和內心獨白等實驗性表現手法的運用顯示了他敏銳的文學感受力。對于繪畫與文學的關系，杰克•葉芝有著明確的理念：“畫之所以為畫必定是一首詩，而詩之所以為詩也必定是一幅畫。”

他在更大程度上受印象主義、表現主義和象征主義的影響較多，他的畫蘊含著豐富的象征，匠心獨具而又滿含詩意。在《走向輝煌》里，一個穿著鮮艷衣服的愛爾蘭孩子牽著一匹健壯高大的駿馬正走過幽幽綠綠的草地，走向遠方。天上飄蕩著白色的云，右上角還有一塊淡灰色的云團格外顯眼，在畫的左上角稍微露出太陽的存在，在太陽的周圍，云顯得亮白炫目，整個畫面滿是希望的氣息。這種深度是通過線性透視法和大氣透視法來實現的。這幅畫有三個點，一個是孩子，一個是駿馬，一個是右上角灰色的云團。孩子低于眼平面，我們可以俯視孩子頭頂的裝飾，關于這個孩子的透視線是向前向上延伸的；駿馬正在眼平面中，關于這匹馬的透視線直接沿著眼平面向前延伸；灰色云團高于眼平面，我們只可以仰視云的底部，關于云團的透視線是向下延伸至地平線。仰視、水平、俯視，這三條透視線延伸相交至一點，即畫的左下方那抹最深的藍色。畫家通過一點透視法將觀者的視線都集中到了那希望的遠方———輝煌之地，印證了題目和主旨。這幅畫的主角是孩子，但孩子顯然是個象征意象，象征著什么？通過這幅畫的時間我們可以知道這是杰克•葉芝晚年（1947年）的作品，經過多半生的滄桑，始終不變的是他對于愛爾蘭的赤誠。

20世紀40年代，愛爾蘭正在獨立自治的路上艱難而堅定地走著，我們可以做出這樣一個比較合理的推測，走向輝煌是希望愛爾蘭可以從此走向和平安寧，遠離戰爭和暴力的象征，而孩子是他所摯愛的愛爾蘭的象征。但愛爾蘭的歷史錯綜復雜，各派勢力斗爭不休，在走向輝煌的路上必然還會有長長的路要走，在這里，畫家運用了大氣透視法拓展了畫面的深度，暗示了走向輝煌的路還有很長。從孩子腳下到那個交匯點，隨著距離不斷加大，空氣浮塵也不斷增加，視線逐漸模糊，綠色漸漸過渡為藍色，直至那個最終的“輝煌處”成為深藍色，這種透視法使平面的畫面表現出深度空間。

《走向輝煌》多用中間色，尤以黃綠和藍綠為主。

從色輪分隔看，畫面的主要顏色———黃綠、藍綠、綠、藍———均為冷色相，但間或還有一絲暖色相———黃色———點染其間，使畫面呈現出一種緊縮沉靜感，內斂嚴謹又不失溫暖，這應該正是畫家晚年繁多閱歷之后的心理特質：冷靜與希望交織，嚴肅與期待相容。黃、黃綠、綠、藍綠、藍這一系列色輪上的相鄰色調的搭配，使畫面呈現出高度的協調感，反映了畫家在經歷世遷之后重新獲得的寧靜內心世界。

一位赤子以熱情的希冀和深沉的思考融成了這幅意味深長的《走向輝煌》，我們似乎可以聽見畫家熱切的呼喊：啊，我的愛爾蘭，愿你永遠與平安相伴，與幸福為鄰，我會用眼睛用心靈永遠追隨著你，追隨著你，我永遠的愛爾蘭！似乎只有威廉•葉芝的這首《致未來愛爾蘭》才能夠說盡這燃燒的詩情！“因為在世界最初的開花時代，／她飛奔的雙腳輕輕下墜，／使愛爾蘭的心兒開始跳躍；／如今星光之燭仍在閃耀，／幫助她的腳輕輕地起落；／如今，愛爾蘭之魂／仍在神圣的靜謐中沉吟。”“我把心鑄入了我的詩行，／使你們在隱約的未來時光，／會明白我的心與他們同往，／追隨那紅玫瑰鑲邊的衣裳。”

威廉•葉芝通過“紅玫瑰”這個愛爾蘭最常見的比喻，表示了愿為愛爾蘭而歌唱，永遠不會背離愛爾蘭的呼喚的熱望。《故地重游》的創作時期更晚些，可以看作是畫家本人一次故地重游的情感激發。整幅畫面呈現出一種非對稱性，但畫家通過多樣元素使畫面呈現了非對稱性平衡，更隱隱透著平衡之下的和諧。我們一眼看到畫中偏右有一個人（我們可以推測是一位老者）煢煢孑立，他拄著拐杖，仰頭若有所思，然后我們的視線會被牽引至老者映在左邊墻上的影子，會注意到影子所在的那一大面墻，接下來會推及另兩面同樣呈現黃色的大墻壁。老者穿著紫色的衣服，處于畫面的中央位置，紫色與大背景的黃色形成色相上的互補，而紫色的明度及其所造成的重量感由此得到強化和提升，這樣一來，老者的紫色衣服平衡了背景的黃色。同時，因為暖色比冷色重，左邊地上的一塊亮黃色又平衡了地面那一大片綠色，由此整個畫面實現了非對稱性平衡。閉上眼睛，印在我們腦海中的是一位老人，有他映在孤獨墻上的孤獨影子，同時還有灑落在老人頭上肩上的黃色，黃色，那是太陽的顏色，也是時間的顏色吧。時間將一切帶來又將一切帶走，而一位老人重游故地心頭思緒萬千又無處說起時，只能說情何以堪！這個故地是哪？是那縈繞了一生的情結———斯萊戈嗎？是曾看了終生難忘的馬戲團表演的地方？還是輕輕折下一支或鮮艷或干枯的玫瑰的地方？時間，你讓一切逝去，帶走我的兄長我的姐妹我的妻子，帶走我的兒時我的夢想，讓我只剩一個孤獨的影相伴。好吧，好吧，一切都隨風遠走了，飛去了一個地方好好珍藏。老人是在微笑嗎？或許吧。是在嘆息嗎？或許吧。是在哀傷嗎？或許吧。但，這微笑，這嘆息，這哀傷不都是《隨時間而來的智慧》嗎？雖然枝條很多，根卻只有一條；穿過我青春的所有說謊的日子我在陽光下抖掉我的枝葉和花朵；現在我可以枯萎而進入真理。除了默默吟誦這首詩，怎樣還能道盡這暮年故地重游中的萬語千言？

我們討論的意圖并不是基于藝術和詩是同質的理念。萊辛在《拉奧孔》中對于兩者的差異做了深刻的討論，得出的結論在今天仍然沒有受到理論上的真正有力的批駁和：“既然繪畫用摹仿的媒介符號和詩所用的確實完全不同，這就是說，繪畫用空間中的形體和顏色而詩卻用在時間中發出的聲音。

……全體或部分在空間中并列的事物叫做‘物體’。因此，物體連同它們的可以眼見的屬性是繪畫所特有的題材。全體或部分在時間中先后承續的事物一般叫做‘動作’。因此，動作是詩所特有的題材。……繪畫也能摹仿動作，但是只能通過物體，用暗示的方法去摹仿動作。……詩也能描繪物體，但是只能通過動作，用暗示的方法去描繪物體。”但藝術和詩都統一于“文化”這個極具包容性的體系，都統一于“人”這個基本的出發點。對于威廉•葉芝的詩與繪畫的呼應和杰克•葉芝的繪畫與詩的呼應的分析，在更大程度上借鑒了格林布拉特的文化詩學理論，即重視文學文本與非文學文本的共鳴。人類學家克利福德•格爾茲的理論是文化詩學的理論來源之一。他重視考察文化內部所形成的各種關系。受其影響，文化詩學十分重視文學與社會、宗教、法律、慣例及家庭等的現象之間的關聯。文化詩學的一個突出特點就是打破界限的交叉性和跨越性，而非局限于文本本身，這對文學批評的文化語境做了很大的開拓，將研究背景伸展至整個文化系統，將文學作為理解文化的方式之一，將文化作為理解文學的途徑之一。它既超越了文學是對客觀生活的反映和認識這種社會學批評，也彌補了忽視文學與社會歷史等聯系的純藝術批評的不足。“作為整個大文化系統的有機組成部分，它（文學）與其他的文化因素構成一種復雜聯系，不可避免地相互制約，相互影響，如果文學研究不想停留在對文學表層現象的認識，那就必然面臨著文化深層闡釋的課題。文化闡釋一方面可以使文學研究實現對于人所處的文化環境、所具備的文化特性的歷史的、整體的把握，進而實現對作為文化存在的人自身的把握；另一方面則可以使文學研究經由對特定文化深層內核的獨特呈現，潛移默化地影響一個時代的文化精神，成為推動文化發展實現社會完善的巨大動力。”

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二、視覺趣味時代性特質的視覺趣味主要體現在對物象的造型和形式語言上的趣味探究。

（一）物象造型上的視覺趣味整個社會的審美趣味決定了藝術創作物象造型的主流趨勢。在古希臘，強健、俊美、光榮、人體優雅勻稱的男人與女人是人們崇拜的對象。人們通過舉辦奧林匹克運動會來選拔勇猛斗士、展示人體魅力。所以在古希臘的藝術創作中，人們在物象造型上傾向于優美、和諧、典雅。如雕像《赫爾美斯和幼年酒神》，神的使者赫爾美斯在造型上很好地反映了這些特質。唐朝以胖為美，在唐朝的詩詞、書畫、雕塑、陶俑等藝術作品中都能找到印證。白居易一句短短的“溫泉水滑洗凝脂”（《長恨歌》）讓人體會到楊貴妃的豐腴。被稱作“唐代女子符號”的《簪花仕女圖》很好地體現了唐朝女子的豐碩與壯美。思想流派的美學特征決定了物象造型上的視覺趣味。新古典主義藝術在強調客觀描寫的基礎上，強調將對象完美化、理想化。安格爾在這一美學思想的導向下，在其畫面中強調永恒的、純粹的美，帶圓弧形的形體是最美的形體，其藝術創作中物象的造型傾向于描繪圓潤飽滿且具有曲線美的女，如作品《大宮女》。立體派是科學技術對藝術影響的有力例證之一，它促成了人們去突破單一視點觀看物象的方式：以多視點、多角度觀察和表現對象，在造型上追求幾何形體的美。如勃拉克的《小提琴和陶罐》。針對現代科技迅猛發展而產生的未來主義，在視覺趣味上強調表現移動中物體的并置、疊影的時空概念。如波丘尼的雕塑《空間中連續性的形式》，塞弗里尼的油畫《塔巴林舞會有動態的象形文字》呈現了運動著的物體的速度動感。中國當代藝術中的“卡通一代”是在卡通文化中成長起來的一代，在藝術創作中的物象造型上，不但吸收與效仿漫畫的造型特征，而且汲取了商業文化和大眾流行文化的視覺樣式以及消費社會圖像的資源。藝術家江衡在其作品中體現了以畫廣告、卡通的視覺敘述方式切入人們社會生活的藝術表達趣味。

（二）形式語言上的視覺趣味在繪畫中，視覺趣味表現在形式語言上主要指向對物象造型上的解放，是在具象轉向抽象的過程中產生的。這個轉化過程很好地體現了一定的時代性特征，從塞尚到畢加索再到蒙德里安再到波丘尼再到后來波洛克的繪畫藝術創作，物象造型得到解放，形式語言的重要性被彰顯出來。在繪畫創作中，形式語言主要通過色彩、點、線、面和肌理、構成、組合來體現，它注重其帶給人們的視覺感受。新古典主義大師安格爾對藝術形式進行了大量的研究，他認為曲線是最美的線條，其藝術創作中對線做了大量的研究。19世紀物理科學的發展和攝影術的產生，促成了藝術家們放棄了照片式的古典畫法，轉而對光與色的研究表現，這也加快了藝術家對畫面形式語言的探究步伐。印象派畫家們除了注重光色之外，在畫面上還注重筆觸的疏密、長短等。新印象主義大師修拉開創了點彩的先河，純粹的色點成為構成畫面的唯一方法。凡•高在其作品中用筆觸來傳遞其情感的沖動，用色彩來揭示精神。從畢加索的《牛》和蒙德里安的《樹》的演變可以看出大師們在形式語言上的探究。蒙德里安作品以直線、直角、矩形為形式要素，展現了以“真”為判斷標準的時代性特質。在賈科梅蒂的《迪亞哥》素描作品中，用碎線和粉質顏料反復涂抹交織來塑造人物與空間，以此彰顯人文主義思潮與現代的自由哲學相結合的時代性特征。波洛克運用線條和色彩潑灑來展現其無定形抽象繪畫概念，其藝術創作很好地體現了主體內心的真實是其唯一的真實。

三、藝術觀念

藝術觀念體現在藝術創作的時代性上，除了純粹的觀念之外，還包括藝術表現的媒介、材質和呈現方式。藝術家的觀念直接決定藝術表現的媒質與呈現方式，也最能體現藝術的發展和時代的進步。達達派在美學觀念上反對傳統的藝術價值體系，否定模仿自然的一切藝術形式。這種全新的藝術態度決定了他們在藝術創作方法上與傳統的大不同：他們摒棄在畫布上進行風格、語言、形式的探究，而在藝術創作中采用抽象的手法，利用現成品或廢棄物。杜尚在其創作中，從開始的視覺形象轉向思維，開始強調藝術的本質問題，他認為一件藝術品不只是供人觀賞，更重要的是讓人去思考，創作中的偶然性比社會性的藝術更有意義。其作品《泉》將現成品變成了藝術，開啟了人類藝術創作新的理念和模式。行動繪畫受超現實主義自動化的藝術理論啟發，提倡任意的、自發的個人表現。在波洛克的藝術創作中，強調無意識的自動繪畫。“繪畫的‘現實’不依賴于任何對現象世界的指涉，而是依賴于無意識的真實。”在其作品中分解開空間中的物體幻象，形成了“滿幅”構圖，帶來了總體繪畫的概念。伊夫•克萊因用觀念行為來傳達自己的藝術理念并創建了許多新的藝術手法。“活動畫筆”畫用人體代替了畫筆，在藝術家的指揮下，肉體自身把色彩涂在畫布上。開創了行為藝術、偶發藝術、即興藝術的先河。從杜尚“反藝術”觀念的提出，再到波伊斯“社會雕塑”觀念的提出，終結了現代藝術。現成物成為藝術，人們的日常生活也成為藝術，在藝術創作的表現上更傾向于觀念的表達，藝術創作在藝術呈現方式上轉向多元化。

藝術家們在藝術創作中借用現代媒體與媒質，跨媒介藝術成為藝術創作的時代性特質。集成藝術、裝置藝術、視像藝術、照相藝術、觀念藝術、地景藝術、習俗藝術、多媒體藝術等新的藝術創作形式出現。集成藝術采用物體并置的手法，并以此來反映主體對社會價值的感受。達明安•赫斯特的藝術創作圍繞科學與藝術的聯系、生物生命的有限性等展開。其作品《人們心里不滅的物質》用玻璃缸、福爾馬林液體、一條死鯊魚來表現自己的藝術觀念與感悟。視像藝術體現了新的人文導向的時代性特質，它將不同文化形式、現成品、音箱、雕塑等綜合運用進行再創造，成為主體社會生活的鏡像。照相藝術家辛迪•舍曼把攝影理解為一種觀念藝術，自己充當作品中的各種角色，其作品體現了個人特性和女權運動的觀念。波伊斯《7000棵橡樹》是其導演的一件群體行為藝術作品，是藝術干預社會生活的體現。

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運用科技的視覺藝術，一個明顯的議題便是科技帶來的藝術品復制性與真實性的問題，一切展演都只是以復制品呈現，要觀賞者破除原有的觀賞習慣，在傳統上的藝術價值包含了獨創性、唯一性、與真實性，都將被重新思考。

數字化科技成熟后，講求光與速度，去物質化的虛擬影像透過媒體四處傳播，復制已經不再是模仿、替代真實或是真實的幻覺，數字世界已然成為另外一種真實。因為影像可被轉換為數字語言，可被任意操弄，因而影像成為一種信息，于是藝術行為也大大不同于前，藝術家在龐雜的影像信息中，選擇、過濾、重新組裝，不只是利用技術來解決視覺問題，開發新的視覺經驗，更利用新媒體去呈現人們生活中的種種困境，作品意義的產生存在于事件的脈絡還有與觀賞者的互動中。觀賞者從最早的被

動接受，到目前已然成為參與者，甚而是展演內容的提供者。以往視覺藝術的形式，可大分為平面的繪畫與立體的雕刻，而影像的領域今后將與前述二者并列為視覺藝術的重要形式之一。未來隨著計算機圖像處理，多媒體、高畫質等新媒體技術的高度發展，傳統的錄像技術也將面臨新的整合。

十九世紀八十年代以后高科技產品發展迅速，計算機、雷射光線、傳真機、復印機、衛星傳播等。這些尖端科學技術，都成為創造想象和架構的創作工具，這些新的媒介能仿真真實世界，也能創造出幻想境界中的奇景。高科技藝術是十九世紀八十年代以后，興起于美國的新藝術。它是泛指以運用高科技創造的現代美術作品，諸如計算機藝術、雷射光藝術等作品，在美學領域中帶來明顯意義，結合了人類智能和科技產生的大量新穎技巧。潛藏在這種深具潛力的新視覺技巧下，有一個更深入的意義：在高科技的輔助下，視野更加瞭闊，并為藝術創作，提供了新的美學向度，跳躍連結代替線性思考，多向度空間取代繪畫透視，前所未有互動。

尤其是，自從計算機出現以后，因為可以儲存、修改，容易重新繪制及復制，所有有關繪畫的行為起了很大的改變。1952年美國的BenF.Laposky利用計算機做出一個抽象的圖像，1956年才開始能創作出彩色的電子影像，1960年德國K.Alsleben及W.Fetter發表最早的計算機繪圖作品，直至1994年網際網絡開始盛行，四、五十年間，人們對于空間的思考模式隨之改變，我們離開了復雜而趨向一個快速溝通、大綱式了解的理想。我們不再需要畫一堆很復雜輔助線去處理放置一個三維物體于二維平面上的問題，計算機影像幫我們解決了這些問題。因此，藝術家已把興趣放在如何避免復雜的建構，因為人們想象的空間已經改變，波浪的、擁擠的西方繪畫已被純粹的、無限空間的現代繪畫所取代。

計算機對現代藝術造成的沖擊及影響之巨，超乎想象。計算機一般被認為是一個空間可視化的簡單輔助工具，但它不只是一件工具，一種媒體和材料，更重要的是一種新的美學方向，新的再現可能。多數計算機藝術的創作者，深信雖然計算機本來不是為藝術創作的理由而發明，但它會持續發展出特有的本質，繼續為藝術家提供最好的工作伙伴。

通常，計算機比傳統鉛筆的方式更簡單、便宜、快速地生產，計算機讓藝術家與音樂創作者更快速的生產，這也就是我為什們稱之為“罐頭藝術”的原因，然后，計算機也可提供一種藝術替代品更快速的方法，這也是我為什么稱其為“麥當勞藝術”。當然，計算機藝術有它的隱憂。雖然計算機為藝術帶來發展的新契機，卻也有不少令人不安的地方。

第一：由于計算機也是科技的產物，自然有現代和傳統的沖突，如何把過去的傳統藝術，配合新的計算機媒材，加以融合表現出來，呈現附合時代的新風貌而被接受，是值的深思的問題。因為全世界都是用相同的軟件和設備，如果一窩蜂的跟著主流，則藝術創作則會劃地自限，而顯露大量復制和類似的膚淺平面感，失去藝術的美感和深度。第二：如同前面提到的，工具的方便，卻造成個人風格的喪失，并且

失去敏銳度，因為一旦創作者習于依賴計算機的修改功能，創作的動力則漸漸退去，例如：慣用PHOTOSHOP的攝影者很可能因此，不在意拍照的決定性時刻，因為可以透過計算機仿真修改，不怕拍不好，但即使效果逼真，卻失去藝術價值了。

第三：即是計算機藝術雖然有決然不同于過去的表現方式和媒體，但本質上，仍脫離不了過去模仿、拼貼等創作風格，如何走出過去的藝術觀念，找到屬于計算機藝術的觀念、想法和創作空間，將會是影響他是否能自成一派的重要關鍵，而非只是為藝術帶來新的表現法。身處一個新世紀的黎明階段，審視當今現代藝術的表現形式，千變萬化、無奇不有，可說是前所未有的新美學創作年代，傳統的美學概念及體系，起了一些新的轉機及變化，屬于二十一世紀的新視覺美學體系，以包含瞬息萬變的新美學思潮，是亟待建立的。

科技幫人類突破了心靈的藩籬，也改變了人們思考與創造的方式，但相對的，科技高度發展也帶來了一些危險與不安，因為人們幾乎忘了所處的地球仍然有其極限性，而藝術心靈的可貴其實是在于透過限制的穿孔，呈現出無窮的創造力。藝術的價值不在藝術品本身，而是藝術的哲思，有非常多科技藝術家同時也是大自然的愛好者，不管用的是高科技或低科技，來自生活的智能與大自然的啟發，才是藝術創作最好的素材。不論世界如何轉變，也只有藝術家意志延伸的作品，才算是“高感度”的創作，也才有美學上的價值。

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[2].郭茂來.視覺藝術概論[M].人民美術出版社.2000.7

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追溯傳統裝飾藝術發展的淵源，它首先是人們為了生存而進行的造物的主觀創造性活動，到后來為了審美需求而進行裝飾創作，這是一個漫長的歷史過程。在人類發展史上的各個時期，傳統裝飾藝術作品往往成為見證該時期文化、工藝和藝術水平的代表。并且，傳統裝飾藝術作品不論其形式如何，都融入了原始先民為生存而激發的全部感情，都體現出了生命的本能、生活的理想和原始文化的底蘊。[1]它不是純藝術現象，但經過幾千年的積淀與傳承，傳統裝飾藝術在意識形態的轉變和新技術浪潮的沖擊下不斷更新拓展，具有了自己鮮明的藝術特征，反映了民族文化的精髓。

在設計語言日趨國際化的今天，視覺傳達設計由于本身所具有的對圖形、文字等元素的高度概括和簡約化特征而面臨著設計風格一體化的尷尬趨勢，這就對現代設計家提出了更高的要求。由于不同的國家和民族有著不同的傳統，其人文風俗和文化底蘊也大不相同，所以，設計家們驚訝地發現，民族的東西是一種很好地區別于其它地域作品的設計語言。于是，一股回歸傳統，弘揚民族文化的設計思想席卷了整個設計界。不同國度和區域的設計家都在尋找最能反映其民族精神和文化底蘊的設計符號。作為有幾千年文化積淀和傳承并反映民族文化精髓的傳統裝飾藝術，它重新引起設計界的關注，并成為設計家們創作的靈感來源，也就不足為奇了。

首先，在對形的處理上，傳統裝飾藝術遵循“刪繁就簡”、“以簡代繁”的原則，也就是用簡潔的線條和規整的外形來表現各種自然形象。如興起于我國民間的皮影戲和剪紙，其造型多采用簡潔單純的線面，著重表現自然物象的基本特征，它把一些立體的東西作概括化和平面化處理，具有視覺傳達設計的意味。出土于西安半坡村仰韶文化時期的人面魚紋彩陶盆就采用了幾何圖形的構成手法，將人面概括成圓形，頭上的發髻和人面兩側耳部的小魚都用三角形表示，眼睛瞇成一條線，這種抽象化和幾何化就是“刪繁就簡”的具體體現。在視覺傳達設計中，提倡用最簡潔的圖形語言傳達最豐富的思想內涵，其實也就是強調對圖形的高度概括、提煉和簡化，而西方更是注重幾何和抽象的圖形表達。這些現代設計理念，與傳統裝飾藝術中對形的處理觀念是基本一致的，并且在幾千年前就已經開始運用了。另外，傳統裝飾藝術由于有漆畫、陶瓷、蠟染、刺繡、剪紙等多種藝術形式，其內容比較豐富，處理“形”的手法也就各具特色。所以，傳統裝飾藝術中對“形”的處理手法，很多都是值得我們視覺傳達設計學習和借鑒的。其次，傳統裝飾藝術很注重形式美感，這種形式美感包括造型的獨特性、排列的秩序感，畫面空間的設計感和點、線、面等形式要素的組合關系。傳統裝飾藝術中，很多造型藝術本身具有很強的形式美，已經很講究對稱、均衡、比例、線條、色彩等帶給人的審美情感。如陶器的造型就很講究對稱和均衡，上面的裝飾紋樣不僅很注重線條和塊面的對比，色彩的搭配也很和諧。并且，還有很多由于機械有節奏的運動和通過重復的構成手法而創造的圖案，具有強烈的秩序美。[2]在敦煌壁畫中，隨處可見用于裝飾的各種卷草紋樣和適合圖案，尤其是藻井的裝飾，紋樣之豐富，裝飾之繁瑣可謂嘆為觀止，然而經過藝術家的合理安排，整個畫面顯得井井有條。二方連續在不斷重復的過程中呈現出強烈的節奏感和秩序感，適合紋樣處處彰顯藝術家對畫面空間的把控，各種視覺元素遙相呼應，虛實相生，并且畫面中點、線、面關系處理到位，整體視覺效果統一。可見，傳統裝飾藝術中對形式美感的追求，就如同我們進行視覺傳達設計時所考慮的畫面構圖和版式編排，目的都是為了形成強烈的視覺美感，從而喚起人們審美心理的愉悅。所以，傳統裝飾藝術中對形式美感的追求為我們視覺傳達設計中的版式編排提供了參考的樣本，具有較高的藝術價值。

再次，傳統裝飾藝術中的紋樣往往具有象征意義，如盤子上的暗八仙，象征延年益壽；瓷器上的蓮花寓意高潔；民間工藝美術里的葡萄、石榴以及百子圖等象征家族繁榮，子孫眾多；還有用龍鳳表示吉祥如意，用蝙蝠直接表現“福在眼前”等等。[3]傳統裝飾藝術中的這種象征性與現代設計有異曲同工之處，如視覺傳達設計中的標識設計就常采用象征圖形來傳達企業文化、發展方向或者管理理念等，海報設計中也常用具有一定象征意味的圖形傳達深刻的思想主題和文化內涵。傳統裝飾藝術所具有的博大精深的寓意性，對現代視覺傳達設計來講，具有重大意義。一方面，它為我們的設計提供了眾多素材，豐富了我們的設計語言；另一方面，它為我們的設計提供了很多思考的切入點，對設計創意具有較強的指導意義；另外，它使我們在面對不同文化背景進行有針對性的設計時，能準確找到傳達設計意圖的最佳圖形符號。所以，傳統裝飾藝術中的象征性是很值得我們關注的。

另外，傳統裝飾藝術在造型上采用的夸張和變形，在構圖上采用的重復、發射、漸變以及色彩的對比與調和等處理手法，與今天現代設計中的圖形語言和形式美的法則以及構成有異曲同工之妙，可見，中國傳統裝飾藝術對現代視覺傳達設計來講，意義十分重大。

正是因為傳統裝飾藝術有如此多的地方與現代視覺傳達設計保持一致性，才在現代社會顯示出了其特有的生命力。所以我們在設計中運用傳統裝飾藝術宣揚民族文化，弘揚民族精神的同時，更要不斷挖掘傳統裝飾藝術對現代視覺傳達設計有借鑒價值的東西。在設計中追求東西方文化的統一，追求傳統與現代的統一，才能夠在設計中既表現出民族的傳統精粹，又使自己的作品更具說服力。

參考資料:

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要通過光線強弱來體現室內環境的材料質感美，就要依托于光線的投射方向。光線的投射角度不正確，或者光線過強、過弱，都會對表現空間材料的質感美產生不利的影響，甚至會曲解材料質感的真正意思。視覺環境中的色彩效果與光線的光源色的色性和冷熱傾向密切相關，不同色溫的冷暖光源，照在同一固有色的物體上，會有明顯的差別和不同的色彩效果。所以，在建筑環境視覺設計中，應充分發揮光的美學功能，通過光照營造適合不同使用空間的環境氣氛，以符合各種環境中人們的行為特點和心理需求（如人際交往的心理需求，私密性的心理需求等等），以達到提高視覺環境質量和具有整體統一及賞心悅目視覺效果的目的。

其次，選擇合適的人工裝飾照明。由于照明的實用功能及在光照設計中所特有的表達功能，它已經同空間環境的形態、色彩、采光、形式、通風等因素一起，成為室內環境整體設計中的基本要素。正確選擇照明方式、光源種類、燈泡功率、燈具數量、形式、光色與燈光控制器，使光照氛圍能體現設計意圖，創造良好的光環境，達到良好的環境藝術氛圍。人工裝飾照明設計的基本原則包括安全、經濟、美觀。安全是指裝飾照明設計必須首先考慮裝飾照明設施安裝、維護和檢修的方便，以及安全運行的可靠性，防止火災和電器事故的發生。經濟是指在確定設施時，權衡價值取向，盡量采用先進技術，充分發揮照明設施的實際效益，盡量以較少的費用獲得較好的照明效果。美觀是照明的重要因素，是指照明裝飾的空間層次，既要具有美化環境的作用，又要充分顯示被照明物體的輪廓美與材質美。

二、材質在室內環境設計中的應用

材質是構成空間形式美必不可少的要素，充分發揮材質美感屬性，對材質進行有規律的構圖及重組，不僅能為空間氛圍增添獨特的色彩和情趣，進而完善空間形式美的內容，而且可以提高室內環境的心理感受價值。

首先，材質要與空間形態相結合。材質作為室內空間藝術的載體，同色彩和燈光等元素一道共同參與著室內空間環境氣氛的塑造過程，不僅能夠借助其視覺表面的剛柔、精細、深淺、明暗或其以線、面、體構成變化的美感聯系來刺激人們心靈的感動，而且在空間環境設計中材質也具有重要作用，一方面能保護圍合空間的承重構架系統，充分發揮圍護體界面的保溫、隔熱等物理性能，另一方面也可利用新材料、新工藝來拓展空間的使用功能，強化空間的審美功能。

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城市視覺形象是城市內在氣質的外在表現，是城市形象最有形的視覺化表現。城市的視覺形象就是城市的“一張面孔”，讓一個城市與其他的城市區別開來。例如，市政府確立了“加大對環境整治的投入，以加快經濟的發展”的城市發展戰略，得到全市人民的贊同，共同努力，把建設成為一個人見人愛的花園城市，而且經濟得到了飛速發展；這些城市先后都部分或全面開展了城市形象設計，顯著增加了城市價值，為經營城市和管理城市創造了無形資產，增強了市民的自豪感和凝聚力。城市中能夠讓人們對視覺特色感受的形式有很多，城市的標志，城市的特色景觀、建筑，城市空間道路中的視覺導向，公共交通中的空間布置以及視覺設計等。行走于城市中，路邊的風景、腳下的道路、手邊的地圖、地下的地鐵站等視覺城市活生生地存在于我們生活的周圍。人與城市視覺的和諧互動是視覺城市要達到的基本功能性目的，同時也是整個城市充滿人性的活生生的證明。

三、城市景觀形態的視覺藝術

1.城市建筑的視覺藝術

建筑是構成城市的主體，并有建筑以外的空間環境相輔，兩者合起來稱為城市景觀。標志性建筑（含城市雕塑）對于構成城市形象有著畫龍點睛的作用。有些名城采用大手筆，在一個區域、一座廣場、一條軸線上布置若干標志性建筑，在形成建筑藝術的同時也集中、典型地體現了城市文化特征。如巴黎從羅浮宮到德方斯大門的大軸線、華盛頓從國會山到阿林頓公墓的中心區、北京從永定門到景山的大軸線都是優秀的實例。建筑作品具有審美特征，它使人產生美感，建筑藝術的美主要在于視覺的形式美，它要用形象來表達意念，傳達信息，而且其造型形式也是以抽象的幾何構成為主的。對建筑的欣賞可以分兩個層次，一個是表層，一個是深層的。表層是對這些形式美的因素總體知覺，這里包括人對建筑視覺形態的形、色、光等視覺要素的分辨與感受。一個好的建筑環境，首先使人賞心悅目，盡管不理解其更深的含義，僅僅作為一種視覺對象，它是美的，它給人以美的享受，但這只能停留在初級感覺階段。另一層次較為深入，為“知其所以然”的階段，在這里，人不僅能欣賞建筑本身的形式美，同時還能從這些形式中感受到某些氣氛、意境，甚至對其風格、設計意圖及風格產生的文化歷史背景等都有較為深入的了解。

2.城市道路的視覺藝術

道路是一個城市的走廊和櫥窗，是人們認識城市的主要視覺和感覺場所。道路環境是城市環境的重要組成部分，這種帶狀環境是反映城市面貌和個性的重要因素。一個城市給人留下深刻印象的往往是城市街道中的景觀：街道兩側建筑物的體量和風格，色彩各異的廣告牌匾和指示標牌，獨具風格的綠化、小品、設施，以及街道上穿梭的車流，或漫步或急行的市民這些城市街道上的情景往往成為這座城市景觀的代表。現代的道路景觀是一種動態系統，形成動態的視覺藝術，動是它的特點，也是其魅力所在。現代道路的景觀空間構成要充分考慮汽車速度因素，這意味著一切景觀尺度需要擴大，建筑細部尺寸要擴大，綠化方式需要改變；而且速度越高，變化越大。汽車時代產生的新視覺問題，要求設計人員用大尺度來考慮時間、空間的變化，同時環境中也需要有特殊吸引人的景觀。

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一、影視動畫視覺藝術表現特征分析

影視動畫主要以電影、繪畫為基礎而形成的一種新的藝術表現形式，其在視覺藝術方面與電影有著眾多相同點，電影美學是影視動畫提供了理論基礎，使其表現形式越來越豐富。很多電影理論家認為電影美學的主要意義在于對現實生活進行復現，并以此為創作基礎，在紀錄片中得到了有效體現，使得電影美學具有一定的普適性，其不僅能夠把電影與現實生活緊密相連，增強人們對現實生活的了解，還能以現實生活為基礎進行藝術創作，使得電影既來源于現實生活又高于現實生活，從而滿足人們對精神世界的需求。但把這一現實理論運用到影視動畫中具有一定局限性，雖然影視動畫與電影藝術有很多相似處，主要以再現現實為基礎，但在視覺藝術表達方面具有較強的獨特性，這是電影藝術所無法代替的。

從動畫英語詞“animation”可知，動畫主要是把不具有生命的事物轉變為具有生命性的藝術活動，其在拍攝技巧方面體現了影視動畫自身特性，動畫與漫畫之間有一定聯系，漫畫主要停留在二維平面上，當把漫畫進行三維處理時，能夠給人們在視覺上帶來較強的體驗，從而產生影視動畫，從某些方面來看漫畫是影視動畫的基礎，影視動畫是漫畫的視覺藝術表現形式。在信息技術快速發展的今天，目前影視動畫視覺藝術表現形式越來越成熟，由于動畫種類眾多，在對其進行視覺藝術表現時，工作人員要根據動畫特性進行具體分類，把其分為傳統動畫、定格動畫等，這樣不但能夠增強人們對各種類型動畫的了解，還能對影視動畫進行有效劃分，從而使視覺藝術表現更為豐富。傳統動畫主要指運用手繪形式對動畫鏡頭進行合理設計，以此把相應的場景及角色進行充分展現。定格動畫主要指運用攝影機對事物進行逐格拍攝，并對其進行有效處理，再進行連續放映，受眾在觀看時會產生動態效果。電腦動畫主要指以計算機技術為基礎，對動畫進行二維、三維處理，此種類型動畫具有較強的立體效果，這既是信息技術發展的必然產物，還是影視動畫發展的必然趨勢，從長遠角度來看，電腦動畫具有廣闊的發展前景。與漫畫創作相比，影視動畫創作更為復雜，所涉及的內容眾多，但漫畫藝術自身具有一定的藝術表現形式，人們不應該認為漫畫是影視動畫中低端的一種形式，漫畫具有較強的獨特性，不僅是一門獨特的藝術形式，還是影視動畫的基礎形態。因此，人們要對影視動畫進行全面看待，一方面處理好影視動畫與電影、漫畫之間的關系，另一方面發揮出影視動畫自身的優勢，從而對影視動畫進行良好的視覺藝術表現。

二、影視動畫鏡頭視覺構成分析

目前影視動畫成為獨立的藝術門類，具有廣泛的受眾群體，在視覺藝術方面具有重要地位，在流動動畫鏡頭中，對鏡頭畫面進行視覺分析具有重要作用，一方面能夠對動畫創作過程進行有效還原，另一方面能夠對鏡頭語言進行全面分析，掌握構圖、景別使用情況，從而提高影視動畫的藝術性。鏡頭是構成畫面的基礎，無論是影視動畫還是電影都由眾多鏡頭所構成，由一個個鏡頭所組成一幅幅畫面，使影視動畫更加完整，鏡頭畫面不僅對外在視覺的再現，還是對流動影像的靜止化反映，對于影視動畫起著至關重要的作用。在對影視動畫進行創作時，需要對角色、動作進行合理設計，確保視覺元素符合情境需求，這樣才能使鏡頭畫面更加合理。影視動畫視覺構成元素包括幾個方面內容：

其一，構圖。這是影視動畫視覺表現中的結構畫面，對于表現內容有著重要影響，在影視動畫中所使用的構圖合理，能夠使鏡頭具有深層的含義，這樣不但能夠增強視覺表現力，還能使影視動畫內容、情感更為豐富。構圖主要體現在人物、場景設計方面，工作人員運用合理的光線把其賦予在鏡頭中，一方面能夠增強人們對于動畫的了解，明確側重點，另一方面能夠使人物設定符合客觀規律，進而提高藝術的表現性。

其二，色彩。這是影視動畫視覺中重要內容，在影視動畫藝術中起著重要作用，由于影視動畫類型、主題不同，使得色彩的運用也有所差異，例如，在《機器人瓦力》中，作者根據場景賦予了不同色彩，地球是人們賴以生活的家園，在動畫中表現出暖色調，而飛船是科技的一個體現，運用冷色調進行展現，兩者之間形成強烈的對比，不僅在視覺上給受眾較大沖擊，還能增強了受眾對影視動畫的了解。色彩具有一定的象征意義，能夠使作品具有獨特的風格，因此，在對動畫進行設計時，作者常常通過色彩來表現出自己的情感以及作品隱藏的內容，讓受眾通過色彩更加深層次的了解畫面，提高影視動畫鏡頭的真實性，從而為動畫主題服務。同樣以《機器人瓦力》為例，在這部作品中一小撮綠色是該動畫關鍵線索，綠色與情節的發展有著緊密聯系，一方面綠色代表著生機、希望，象征著主人公對于未來的信心，另一方面通過這一綠色能夠讓受眾受到啟迪，從而對生活充滿熱愛。

三、影視動畫鏡頭視覺藝術表現的審美分析

最近幾年，影視動畫制作技術不斷發展，使得三維動畫成為動畫產業的發展主流，在很大程度上代替了傳統動畫形式，與電影、電視等藝術門類相比，影視動畫起步時間較晚，其與科技、信息技術發展有著緊密聯系，影視動畫不僅能夠對時代思想進行有效展現，還能提高人們的審美性。目前影視動畫成為獨立的藝術文化產業，使得影視動畫視覺表現手法越來越成熟，既打破了傳統的局限，為影視動畫注入新的活力，而且拓展了藝術表現形式，使其應用范圍越來越廣。影視動畫由眾多鏡頭所構成，鏡頭畫面是影視動畫不可缺少的一部分，因此，工作人員要把鏡頭進行有效組接，使畫面具有一定的連貫性，一方面能夠使情節更加完整，另一方面能夠增強視覺藝術表現力，從而達到預期的目的。

從現有的情況來看，數字技術在影視動畫中得到了廣泛應用，不僅在視覺表現形式上實現了數字化，還在創作理念方面得到了有效體現，目前3D動畫作品越來越多，受眾在觀看時會使得視覺受到較大沖擊，從而滿足受眾心理實際需求。與電影相比，影視動畫在審美特征方面有著較大差異，影視動畫鏡頭視覺藝術表現具有較強的多維性、全息性，能夠對受眾感官進行有效調動，并且還能增強受眾對于情感的把握，從而使受眾內心活動更為豐富，有效彌補現實藝術存在的缺陷。在信息技術背景下，使得動畫制作手法發生較大改變，工作人員可以利用3D技術進行創作，把其與視覺元素進行有機結合，不斷能夠對人物、場景進行充分展現，還能使故事情節更為流暢，提高視覺的連續性。在新時期，人們對于影視動畫提出了較高要求，這就需要工作人員對其進行合理創作，確保每個環節都合理，這樣才能提高影視動畫的審美性，進而滿足受眾對于影視動畫欣賞性。所以，創作者要具有較高的專業技能和審美能力，這樣不但能夠使鏡頭畫面具有較強的視覺藝術效果，還能使鏡頭語言具有一定的美學質感，讓受眾通過影視動畫鏡頭受到感染，進而提高受眾文化素養。

四、結語

影視動畫成為重要的藝術門類，通過對視覺藝術表現進行分析一方面能夠增強受眾對于作品的了解，另一方面能夠使影視動畫鏡頭更為豐富，因此，創作者要注重視覺藝術表現性，把其在影視動畫中得到有效體現，進而提高鏡頭的視覺藝術效果。

參考文獻

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